Published on disc, CD, or DVD

« Réponse à Claude Adelen » est un programme générateur de Jean-Pierre Balpe, créé en 1992. Il est disponible sur le dossier « Kaos – Action poétique », dans le fichier « 12 ». (Pour cette entrée, le programme a été accédé par un Power Mac G3, Mac OS 8, ce qui a posé des problèmes en accédant à toutes les capacités du programme.) « Réponse à Claude Adelen » est une vraie réponse à un « défi » proposé par Claude Adelen dans la revue « Action poétique 129/130 » publiée en 1992. Dans une section intitulée «À Jean-Pierre Balpe concernant l’écriture machinale», Adelen met au défi le potentiel de l’ordinateur de Balpe en doutant s’il peut imiter le style du poème « calque ». Le poème généré, ou poème « décalqué », doit être assez similaire aux poèmes d’Adelen pour le duper. Adelen a choisi deux poèmes du recueil L’amour des mots : un poème de Jacques Dupin qui est un extrait de L’embrasure et un poème de Pierre Jean Louve qui est un extrait de Matière céleste (Nada). En outre, Adelen propose deux « fabrications» à l’ordinateur de Balpe : premièrement, l’ordinateur doit refaire le poème décalqué de L’amour des mots et deuxièmement, l’ordinateur peut suivre un liste de vocabulaire qu’il peut utiliser pour écrire un texte de 14 vers et de 17 vers, en alexandrins et en décasyllabes respectivement. Adelen dit que « le sphinx, c’est moi » quand il essaie de définir pour l’ordinateur les paramètres pour « résoudre l’énigme ». Dans sa réponse, Balpe donne les « Propositions de Claude Adelen » en cliquant sur le bouton « Lire les solutions de Claude Adelen ». Une autre page avec les propositions d’Adelen s’ouvrit quand on clique sur ce bouton et affiche deux poèmes sous les titres « Poème-source » et «Poème-calque/ La dernière main ». Le « Poème-source » est le poème du recueil et le « Poème-calque» est la propre version décalquée intitulée La dernière main. Adelen explique dans la revue que sa version décalquée du poème source était en réserve pour servir de « clôture » au recueil. Avec la structure et le vocabulaire de ces deux poèmes, le programme générateur de Balpe créé des poèmes qui imitent le format original. En cliquant sur un grand bouton à droite de l’écran, on peut générer les poèmes différents mais tous avec la même structure. Il existe un autre bouton « Introduire vos mots » qui ouvre un autre écran où on aurait l’occasion normalement d’ajouter ses propres mots au programme, en suivant les règles du programme. Toutefois, cette partie n’a pas fonctionné à l’heure où on a accédé au programme à cause des problèmes techniques. Normalement, on pourrait imprimer le texte aussi, mais cela n’a pas fonctionné non plus. Quant au texte généré par le programme, le sens n’est pas tout-à-fait accessible. Il existe un motif de déprise à cause d’un manque de cohérence dans les poèmes générés. On n’est pas certain où chaque vers commence et finit. On ne sait pas non plus si chaque phrase est continuelle et se lie au reste du vers. Toutes ces incertitudes accentuent un sentiment d’ambiguïté suscité par la structure des poèmes. (Source: Dakota Fidram)

Épigrammes créé par Jean-Pierre Balpe en 1997 et publié dans DOC(K)S / alire 10 est un générateur de texte qui formule des épigrammes ou de petits écrits satiriques. Ces écrits satiriques utilisent le sarcasme et l’ironie pour montrer des vérités de l’être humain, ou plutôt des vérités délicates, qui sont normalement privées. Le rôle du lecteur est d’examiner des fragments générés et de trouver des liens intertextuels. Le lecteur a toujours sa propre histoire qui contribue au sens du texte. Alors le lecteur n’est jamais naïf, et, selon Balpe, chaque fois que le lecteur lit le texte, le lecteur voit un nouveau texte qui donne l’opportunité à un nouveau sens. Chaque court épigramme décrit ou parle d’une situation différente pour un ou plusieurs personnages et ces petites anecdotes montrent des cohérences thématiques. Les femmes dans les épigrammes « glosent » ou « jurent » de la supériorité de la femme, créant un thème satirique, et des fois sarcastique, de l’élévation morale de la femme qui est prouvé ou établi avec une fausse assurance des personnages féminins. Une épigramme dit : “Evelyne glose, Evelyn jase tout le temps, Ses compétences sont reconnues de tous, Tout un chacun déclarerait ses mérites, et proclamerait sa supériorité…” Dans les épigrammes qui parlent des hommes, le texte offre un ton différent qui consiste en l’utilisation de la satire et du sarcasme dans un sens péjoratif et quelquefois vulgaire. Une forte cohérence du thème n’est pas évidente entre les deux sexes, mais, on peut dire que l thème des personnages montre les fautes et les défauts de l’humain selon Balpe. Les répétitions des phrases et des formes dans les épigrammes ajoutent aussi une cohérence thématique et structurelle. Dans les deux épigrammes qui suivent, les structures se répètent et suivent une formule trouvée dans d’autres épigrammes. La formule consiste en un nom, puis trois petits points (qui suggère une élimination de l’information), et puis trois lignes (du même sens et format), suivies par trois petits points et une expression ou un proverbe. « Zoé… Zoé jure que la femme est l’avenir de l’homme, Elle l’assure, elle le promet Le souvenir n’est jamais certain … La douleur embellit l’écrevisse. » « Guillaume… Evelyne dit : la femme est l’avenir de l’homme, Il l’affirme, il le répète Rien n’est sûr à qui se souvient… A toute chose sa saison. » La phrase qui se répète, « la femme est l’avenir de l’homme », fait référence à un vers dans « Le Fou d’Elsa » du poète Louis Aragon. Cet usage de phrases est de scriptons qui se répètent, ainsi que la répétition des formes structurelles, est une marque d’un générateur, mais Balpe utilise la répétition pour donner une impression de cohérence qui soutient l’interprétation du thème. Balpe utilise fortement la satire et le sarcasme dans les mots du générateur qui montrent les deux sexes dans sous un jour péjoratif. Le texte parle de l’humain et de la vie dans un sens un peu sombre : « La vie n’est pas un long fleuve tranquille ».

Le poème au coeur de SeeVeniceAndDie a été écrit en 2005 pour "L'isola dei Poeti" - événement initié à l'occasion de la 51ème biennale de Venise - par Marco Nereo Rotelli sous le commissariat d'exposition d'Achille Bonito Oliva et Caterina Davinio pour Virtual Island. Ce poème est un genre de sabir ou autrement dit, un pérégrinisme. Mélange de plusieurs langues dans le même discours, SeeVeniceandDie met en scène, en médias, en programmes, ces actes de langages, à travers un automate de synthèse vocale qui lit dans sa langue naturelle, l'anglais et se risque aussi en français et en italien, deux langues qui me sont devenues - à moi - culturellement naturelles. Il a fallu "plier" quelque peu l'orthographe des mots pour faciliter l'interprétation de Vicky, voix synthétique féminine du système OSX, afin de parfaire sa prononciation. S'il a ici [ pour Internet ] la forme d'une vidéo de 8 minutes et 30 secondes, il est en fait un poème variable composé d'un prologue et trois actes, se joue au clavier et souris et répond aux sollicitations des lettres formant le mot "Venise" dans ses trois langues. Sa forme et sa taille le destinent plus à une édition DVD-Rom qu'à l'Internet. Le dispositif affiche le texte du poème dans ses langues naturelles (EN/FR/IT), en code binaire pour les experts, en code hexadécimal pour les hybrides et en code barre pour les consuméristes. (Source: Author's Description)

Les Mots et les Images est une œuvre par J.-M. Dutey publiée dans alire 5 en 1991. Au début, on trouve une grande boite divisé en 21 petits cadres. La majorité des petits cadres ont de mots ; sauf trois n’ont rien écrit. Là, il y a une idée de l’espace, que Dutey voudrait explorer selon une citation inclus dans l’œuvre : « (Dutey) voudrait que sa poésie explore les espaces qu’elle occupe et ceux qu’elle suggère ». Cette citation exprime un sentiment exploratoire parce qu’on doit cliquer sur l’un des mots pour que le programme lance. Si l’on ne clique rien, rien ne passe. L’œuvre est au lecteur d’explorer ou bien un peu ou bien tout. Cela semble comme de la prise, mais quand on clique sur un mot, ce n’est pas toujours le cas et on a de la déprise. Les mots qui sont dans les petits cadres sont : Magritte, tableau/forme, « pour alire n.5 octobre 1991, proposition, mot(s), représentation, image(s), nom, objet(s), autre nom, contours, signification, réalité, figures/précises/choses, figures/vagues/choses, Philippe Bootz/Jean-Marie Dutey, ou bien le contraire, et 1928. La boite « Magritte » est nommé pour le peintre belge, René Magritte. Toutes les images qui sont utilisé dans le programme sont d’images qu’il a créé dans son œuvre Les Mots et les Choses, qui explore le rapport entre les choses et les mots faite en 1929 pendant le mouvement surréaliste. A côté du grand cadre il y a un petit cadre avec « autres objets ». Dans le coin, un troisième cadre divisé en 9 se trouve avec le mot « clic ». Quand on clique sur l’un de ces 18 mots, on voit de lignes qui apparaissent entre le mot choisi et d’autres mots sur l’écran. Parfois il n’y a que deux ou trois liaison mais on peut aussi avoir six ou sept liaison Les lignes qui apparaissent sont dans de différents couleurs (rosse, vert, bleu, marron, jaune, rouge etc.) Parfois, les liaisons entres les mots ne sont pas de lignes mais de cercles. Après avoir cliqué, on peut cliquer dans le cadre au coin. Dépendant du nombre de liaisons, les petits cadres auront un couleur. Quand les couleurs apparaissent, on peut cliquer sur un et il montrera le rapport entre le mot qu’on a choisi au début avec l’un des images de Magritte. Par exemple, quand on clique sur « objet(s) », il y a neuf mots qui sont liés avec « objet(s) », donc neuf couleurs en totale. Quand on choisit l’un de ces neuf couleurs, on voit le rapport entre « objet(s) » et le mot encerclé par le couleur. Le rouge appartient à « représentation ». L’écran qui suit est le rapport entre un objet et l’idée d’une représentation. L’écran a deux maisons identiques. La première maison a « l’objet réel » écrit au-dessous ; la deuxième a « l’objet représenté ». En haut de l’écran, il y a une phrase : « tout tend à faire penser qu’il y a peu de relation entre un objet et ce qui le représente ». Tous les rapports entre les mots dans le cadre sont représentés par des images. Toutes les images décrivent cette idée de l’espace, de la représentation, du vague et de l’interprétation. (Source: Sergio Encinas)

Nuit Noire est un œuvre de Dutey et Jane Sautiere (1997) publiée dans alire 10. L’œuvre commence comme une nuit noire. On voit un écran noir et sombre. Puis le texte blanc apparaît et tombe lentement et les mots deviennent plus clairs au centre de la page, puis le texte disparaît encore. Le texte tombe en groupe, peut-être dans des strophes, mais on doit lire l’ordre des lignes, pas des mots, à l’envers à cause du texte qui commence avec la dernière ligne du poème et progresse vers le début. La deuxième fois, le poème commence en bas et il monte sur écran plutôt que de tomber. Selon Philippe Bootz, le poème est un texte rétrograde. L’œuvre est une animation métaphorique où le texte bouge, mais les mots eux-mêmes ne changent pas. Voici le texte (du début à la fin) : Nuit noire, odeur de tubéreuses. Toussent les grenouilles toutes ensemble et toutes ensembles se taisent, pour de plus fluettes et de plus mystérieuses voix. Une radio qui chante l’opéra chinois peut-être, ou peut-être pas. Une palme métallique au-dessus de la tête fait osciller la moustiquaire laiteuse. Mais ni tangage ni roulis dans la jonque l'oreille dans l’oreiller trop mou entend crisser les insectes. Sur le mur bat le cœur du petit margouillat translucide et frais. Le poème est un conte qui décrit ce qui se passe dans une nuit noire. Le narrateur passe, on suppose, une nuit dans la nature et décrit les sons, les événements, et ses sentiments. Le lecteur voit l’écran noir et des mots blancs dans l’œuvre qui sont une réfection du noir de la nuit et de l’odeur des tubéreuses, des fleurs blanches et fragrantes. Les mots appariassent grésillants et flous sauf au centre de l’écran. Peut-être est-ce une représentation du point de vue du narrateur, qui regarde les étoiles entre des branches des arbres ? En plus, le centre qui est plus clair peut représenter la lune qui brille au centre des étoiles. Le poème décrit les sons des grenouilles et une voix mystérieuse qui est peut-être une radio. Il mentionne des insectes qui crissent et le cœur d’un petit lézard qui bat. C’est la nuit noire qui permet l’accentuation des autres sens, comme l’ouïe, le toucher et l’odorat. Cet œuvre utilise la répétition et, quelques fois, la rime qui peuvent suggérer un aspect peut-être érotique. En plus, le vocabulaire suggère l’érotisme d’une nuit sensuelle. (Source: Claire Ezekiel)

« La belle » est un poème cinétique créé par Philippe Bootz en 1989. Publié dans la revue alire 2, il a été plus tard porté dans l’anthologie Le salon de lecture électronique en 1994. Le poème lui-même est un programme bref qui est présenté en quelques parties. C’est-à-dire, le poème semble être coupé en strophes : une strophe préliminaire qui introduit le poème, une séquence de vers qui s’apparaissent et disparaissent rapidement au centre de l’écran qui constituent la deuxième partie et une troisième strophe qui est présentée juste après la première et deuxième strophe. Pourtant, la troisième strophe se modifie un peu après la deuxième strophe. On ne voit que le dernier vers, « froid jusqu’au cœur ». Ce moyen de présenter le poème rend la compréhension de son sens difficile et donc crée un sentiment de déprise. En outre, la rapidité du programme est accentuée sur le portage à cause de raisons technologiques. Donc, le sentiment de déprise est augmenté par mégarde sur le portage. Malgré cela, on peut tirer un sens du poème, à condition que l’on sache comment ralentir le programme. Il faut taper sur les touches pause et entrée rapidement et à brefs intervalles pour que l’on puisse même voir les vers du poème. Une fois que le poème est mis sur pause, on peut commencer à lire le poème pour saisir son sens. Cependant, il existe dans le poème, derrière le texte dans le fond du poème, des déformations visuelles, qui prennent forme de cubes pixellisés et polychromes. Ces déformations rendent la lecture du poème presque impossible, ce qui ajoute un autre élément de déprise au programme. Le sens de cet effet visuel dans le poème fait penser de la froideur du cœur évoqué au vers « froid jusqu’à cœur ». Ces cubes pixélisés sont semblables au givre qui cristallise sur le verre. Cette image juxtaposée avec l’image de la beauté dans le reste du poème suggère une sorte d’ironie peut-être. Quant au thème du poème, une imagerie sexuelle et féminine évoque un sens de vanité critiquée. Par exemple, le vers « mes jambes affleurent l’air » suggère une image sexuelle du corps féminin. Dans ce vers on peut constater que c’est une femme (ou la femme qui est le sujet du poème) qui parle et fait un commentaire sur son corps sexualisé. Elle dit « mes jambes », donc renforçant l’idée qu’elle critique sa propre image. Mais, c’est le vers « comme ces lèvres ne savent que/ tourner la tête » qui souligne l’aspect vaniteux de l’image d’une belle femme. La beauté féminine semble venir de l’acte de regarder, et peut-être convoiter aussi, son corps. Pourtant, le poème semble critiquer cette vanité aussi en mettant fin au poème avec le vers « froid jusqu’au cœur ». Ce vers suscite peut-être la fadeur de la sexualisation du corps féminin, en particulier par les hommes. Cette indication du machisme est renforcée par le fait que la structure du poème parait symboliser l’acte de « mater » une belle femme. On commence par regarder les jambes et ensuite remonter le regard vers les « deux fruits », symboles des seins. Finalement, le regard se fixe sur la tête et les lèvres. Donc, c’est une présentation des pieds à la tête du corps féminin, imitant l’habitude masculine de regarder une belle femme ou d’un observateur qui analyse une statue « lisse/ en marbre ». – écrit par Dakota Fidram

« L’où » de Philippe Bootz a été publié d’abord en 1990 dans la revue alire 3 et c’est un œuvre de poésie animée qui n’a pas d’image, qui n’a pas de son, et qui demande un engagement fort de la part du lecteur avec les mots sur l’écran. Etant un texte transitoire où le texte change sans l’interaction du lecteur, on voit d'abord le mot « que » et des groupes de lettres comme « aill » et « vaill » qui bougent mais qui ne font pas de mots complets. Puis, les lettres forment « vaill/que/aille » qui font référence à la phrase « vaille que vaille » utilisée en français, et créant une animation syntaxique, c’est à dire le texte est en tension entre la lecture du texte sur l’espace de l’écran, et la lecture du texte dans le déroulement transitoire de l’œuvre. De la même façon, le titre suit ce motif d’une phrase qui n’est pas complète, mais qui représente une chose plus importante que les mots. Cette œuvre évoque le thème du naufrage, qui est supporté par le lexique de l’eau, ou de la mer, et de la destruction. Le sujet lyrique utilise des mots comme : « fluide », « bouillant », « brouillard », « côtes », « rythme de l’eau » et « écueil », mais aussi des mots comme « haillon » et « fragment de tout » . L’œuvre suit le thème de la destruction de la mer et, on peut dire, « raconte une histoire » d’un bateau perdu en mer. Du texte: l’errance de la voile/l’aller, le dire écueil l’arrime et le dire et rompt et l’arrime et l’errance il rompt comme du pain/pâte/pas et façonne jusqu’au rythme de l’eau Le titre L’où représente une phrase qui n’est pas complète mais qui montre la relation entre les mots et le vide. Le titre apparaît dans l’œuvre: L’_____________où____________ L’espace entre les deux mots suggère qu’il y a des aspects qui manquent. Les mots eux-mêmes peuvent représenter des fragments qui flottent sur le vide de la mer, ou l’écueil qui a cassé la surface plate de la mer et qui a causé la destruction. Ce thème du naufrage est une référence à une idée présentée dans le livre UN COUP DE DÉS JAMAIS N ‘ABOLIRA LE HASARD par Stéphane Mallarmé. Selon Mallarmé, les poèmes sont des pensées mises sur une page. Les mots flottent dans l’espace et créent une relation entre des fragments de la pensée et le vide qui les entoure. Comme un bateau complètement détruit par la mer, on voit des fragments, des haillons, qui flottent dans le vide. Alors, un poème est le résultat d’une collision entre la pensée et la page qui donne lieu à une dispersion des mots.

En 2008, Philippe Bootz a publié une version monographe du journal alire, pour l’anniversaire de la publication de ses poèmes programmés qui datent de 1977-1978 (poésie matricielle) et de 1988, la première version d’Alire (0.1) qui a été présenté en 1989 au Centre Pompidou. Dans Alire 13, Bootz nous présente des œuvres inédites ou difficilement trouvables.
L’une de ces œuvres qui fait partie du numéro est « Le Nouveau prépare l’ancien » qui date du 2001. Au début de ce poème cinétique, on entend la voix d’un homme qui explique les instructions pour faire marcher le programme. Il n’est pas clair à qui appartient la voix, mais la voix est présente pendant tout le poème. Un message indique au lecteur qu’il peut passer l’introduction simplement en cliquant sur l’écran. La voix donne une description du poème en disant qu’on peut cliquer sur les mots du poème pour voir ce qui peut arriver. Après cette introduction, le poème commence avec des images photographiques de sabliers. En même temps, un narrateur parle du temps et le décrit comme « le premier ami de l’homme ». La voix continue d’expliquer la relation du temps et de l’homme. Sur l’écran, on voit les mots « le nouveau…. prépare…. L’ancien » le titre du poème. Avec ces mots et les images des sabliers, on a le sentiment du temps et de son effet sur l’homme car c’est le temps qui contrôle et dirige la vie de l’homme. Puis, l’écran est divisé en deux images. L’image en haut est toujours un sablier ; l’image en bas est aussi un sablier derrière une fenêtre sur laquelle il pleut. Cependant, la pluie dans cette situation est une pluie de lettres ; il des o et de n tombent en bas de l’image comme de la pluie. Dans le coin de la deuxième image il y a un le mot « ici » ; donc les lettres tombent sur « ici », sur nous.
Le narrateur décrit les mots qui tombent comme le sable dans les sabliers. Cependant, il reconnait la différence entre la pluie du sable et la pluie des mots car les mots font de formes. Il continue avec une comparaison du mot « mot » et le mot « temps ». Il voit qu’on ne fait qu’ajouter le « s » à pour le rendre pluriel en disant que c’est marrant. Puis, il parle du mot « temps » qui est toujours avec un « s ». Cette comparaison est intéressante car le narrateur présente cette idée que le temps est singulier, mais à la fois pluriel en termes d’orthographe. Il peut y avoir un seul temps, mais le temps a un effet sur les vies de tous, comme les lettres qui tombent sur « ici ». La métaphore de la pluie de mot est renforcée par le son d’une tempête. La voix décrit les mots comme « violents », mais une violence que l’on veut qui durent pendant longtemps. A la fin, la voix mentionne la mort, car c’est le résultat du temps. Donc, on a le sens que le but de la littérature est d’organiser nos mots pour échapper à ce résultat du temps et exister pour toujours. Cette dernière exclamation du narrateur envers la mort, peut-être peut-on interpréter comme message qu’il veut transmettre. Le poète ne veut pas être oublié donc il veut que sa littérature soit toujours lue. Seuls les mots et les formes des mots (les œuvres) peuvent échapper au temps et à la mort, car pour le reste, nous dépendons du sablier.

« En réponse à la lampe » a été publié dans le journal « alire n°6 » pour la première fois en 1992. En 1996, un portage informatique a été réalisé. Ce poème animé donne une possibilité importante de lectures grâce à l’apparition et la disparition de nombreuses bribes. Le poème bouge sur un écran noir, et le texte est pour la plupart imprimé en blanc. Le poème est composé de quelques éléments plutôt stables dans le temps, qui permettent au lecteur de pouvoir mémoriser un très petit nombre de vers, puis d’autres éléments ou vers apparaissent et disparaissent à leur guise, n’importe où à l’écran, rendant difficile de remédier à un sens quelconque, à cause de l’aspect transitoire du poème. Une esthétique de la frustration surgit de ce poème car, au moment où les vers apparaissent, ils s’estompent aussitôt. Cependant, l’aspect transitoire du texte permet une lecture temporelle, basée sur la mémoire du lecteur. Le poème imprimable semble être celui-ci : « Des étoiles réduire l’infini à la taille du nôtre rendre sécable la lumière elle prolonge le geste /leur passé notre présent sur la terre comme au ciel un futur pas un présent » Le mot qui est mobile et qui apparaît de façon furtive est « le futur » qui apparaît comme s’il clignotait, puis comme s’il défilait à l’écran. Plusieurs mots et expressions sont également doués d’une accentuation chromatique (les mots deviennent rouges) ou ont un effet de flou. Ces mots ont une connotation temporelle « leur passé », « redonne un futur à la mort », « pas un présent » et « un futur ». Une fois que l’on a à l’écran presque tous les vers, et que l’on tente de construire une signification, les mots s’estompent et plusieurs faisceaux éclatent à l’écran, tels des faisceaux de lumières, comme un prisme de lumière monochrome, blanc. Puis le texte « pas un présent » apparaît. La fin du poème semble être une dédicace et une signature de l’auteur. Le poème a été dédié à Patrick Burgaud, également auteur de littérature numérique et poésie cinétique. Puis la date, le titre et l’auteur du poème apparaissent, et le poème prend fin. En méditant sur la nature du poème animé, la vitesse du poème transitoire, du thème temporel suggéré par les bribes et de la lumière suggéré par le titre, nous pouvons déduire que ce poème est une réflexion et une illustration du passage du temps, sur la brièveté du temps qui passe mais aussi sur le fait que l’on ne puisse pas saisir notre futur (le mot futur s’estompe et défile à plusieurs reprises). Ce thème correspond donc bien avec la poésie animé, car l’aspect furtif des vers du poème fait écho avec l’aspect furtif de la vie.

Publié en 2001 par Bluescreen, le pseudonyme du créateur du programme, ExtraPhysicalWorld est un programme qui se trouve sur le CD alire12, la douzième publication d’une revue inspirée par une coopératif d’auteurs, y compris Phillipe Bootz. Ce collectif qui a inspiré BlueScreen s’appelait L.A.I.R.E, (Lecture Art Innovation Recherche Écriture) et a été créé en octobre 1988. Pourtant, Bluescreen a fait partie d'un autre collectif qui s'appelait Transitoire Observable, créé en 2003. C’est dans les fichiers du CD-ROM que l’on trouve le « site » d’ExtraPhysicalWorld (Les mondes extra-physiques). Normalement, on lançait le site en y accédant sur internet. Cependant, en septembre 2014, le site d’ExtraPhysicalWorld ne marche plus. Donc, il a fallu accéder au programme via les fichiers dans le CD d’alire12. En tout cas, le programme d’ExtraPhysicalWorld se caractérise par quelques menus qui fournissent des renseignements et des animations variés. L’entrée Écrits.txt du menu comprend un article écrit par Bluescreen en 2001 sur la conceptualisation du monde extra-physique. Écrits.txt comprend aussi un glossaire avec de nombreuses définitions telles que l’univers, les blobs et l’algorithme. C’est dans le menu Univers.exe que l’on trouve les « mondes » du programme. Par exemple, dans « Univers 01 : Blob unique au monde » on peut voir le premier « univers » habité par un blob qui prend forme d’un cube rouge. Dans ce monde, selon Bluescreen, les blobs sont des êtres vivants et les habitants. Ce blob semble grandir ou s’approcher de l’écran jusqu’à ce qu’il remplisse l’écran entier. Dans « Univers 02 : Couple de Blobs (sic) Rouge », on trouve deux blobs qui font comme le blob d’univers 01, si ce n’est qu’ils ne remplissent pas l’écran. Avec « Univers 03 : Couple partagé », trois de ces blobs grandissent ou s’approchent, juste come les blobs de l’univers 02, mais un des trois blobs est plus grand que les deux autres. « Univers 04 : 5 Blobs Rouges » montre cinq blobs qui sont similaires aux blobs dans autres univers. C’est dans « ETUDE 1 : Reproduction de Blob Rouge(1) » et « ETUDE 2 : Reproduction du Blob Rouge(2) » que l’on retrouve les deux premiers univers, mais avec des changements du comportement des blobs. Ces blobs-là apparaissent et disparaissent, s’étirent et rétrécissent. En vérité, le lecteur ne sait pas si ces "univers" représentent le texte, ou la cote littéraire du site, ou si le paratexte, c'est-à-dire les articles et le glossaire dans le menu Ecrits.txt, représente le vrai texte du site. De plus, on peut supposer que Bluescreen a été inspire par les notions de la vie artificielle quand il a créé ses programmes, et il est probable que cette inspiration lui a donné l'idée de représenter cet aspect de l'informatique d'une façon littéraire mais aussi numérique et électronique. Selon Bluescreen, le monde extra-physique est "sa propre dimension spatio-temporelle" qui existe en dehors de l'univers physique. Mais, le fait que les "univers" du programme sont dirigés par un code que Bluescreen a créé lui-même complique sa compréhension puisque, si ce code vient du monde physique, ce monde artificiel tire donc ses racines du monde physique.